艺术史论部分文艺复兴：1.国际哥特式特征是什么?2.乔托为什么是文艺复兴的先驱人物?3.米开朗基罗,拉斐尔等大师的艺术特

艺术史论部分
文艺复兴：1.国际哥特式特征是什么?
2.乔托为什么是文艺复兴的先驱人物?
3.米开朗基罗,拉斐尔等大师的艺术特点?
4.风格主义特点与文艺复兴特点有什么不同?
首先很感谢楼下那位兄弟做出的回答,但是很遗憾,他不是我想要的艺术史答案.

1、国际歌特主义通常被称作国际哥特式的,是1375—1425年期间流行于西欧的哥特艺术的一个优美的变体.艺术特点是高贵的、理想化的、仪式的、神性的. 在美术史上,人们把12世纪后,以建筑样式的变化而开始的艺术风格称之为“哥特式风格”,“哥特”一词本源于西欧的一个民族“哥特入”,有野蛮、怪异的意思,但哥特艺术苛非哥特人所造,它出现的时候,“哥特人”早已溶化在西欧其他民族之中了.因此哥特式艺术决不能说是“祖野”的.哥特式艺术包括建筑、雕刻,在建筑上体现得尤为明显.确切他说,哥特式的建筑艺术是指中世纪最后300年——12至14世纪流行的一种新的建筑（包括其中的雕刻绘画）艺术样式.法国则是它的故乡.著名作家雨果在小说《巴黎圣母院》中曾以冗长的描写,对这座哥特式教堂的典型之一的建筑和雕刻艺术,表示了热情的赞美.如果说,中世纪一般的文学艺术发展缓慢,有些方面甚至是停滞和倒退的,但哥特式教堂的确称得上是一项独特的创造,它最能够体现天主教的宗教意识,同时又是世俗观念的集中体现,容易为人所接受.它以尖形拱门代替了罗马式半圆形拱门.建筑物重量及引伸力集中于石柱及拱壁上,外部有许多高耸的尖塔,墙壁较薄,窗户较大,饰有彩色玻璃图案.内部的圆柱较细,光线比较充足,门前饰有许多形象生动的浮雕和石刻.美术史上把哥特式风格称为“国际哥特式风格”.
　　2、乔托是历史上第一个将人物表情用绘画来表述的! 据说乔托是近世绘画始祖契马布埃（Cimabue）的学生.但他童年时已在荒僻的山野描绘过大自然.因此,他一出老师的工作室,便能摆脱传统的成法而回到他从大自然所的教训——单纯与朴素上去.他的艺术,是表现圣法兰西教义的艺术.他的简洁的手法、无猜的心情,最足表彰圣法兰西的纯真朴素的爱的宗教.从今以后,那些悬在空中的圣徒与圣母,背后戴着一道沉重的金光,用贵重的彩石镶嵌起来的图像,再不能激动人们的心魂了.这时候,乔托在教堂的墙壁上,把法兰西斯的动人的故事,可爱的圣母与耶稣,先知者与使徒,一组一组地描绘下来,都像当时记载这些宗教故事的传略一样,使十三四世纪的民众感到为富丽的拜占庭绘画所没有的热情与信仰.
　　乔托的素描与构图同样是单纯、简洁.这是乔托的特点.乔托全部作品,都具有单纯而严肃的美.这种美与其他的美一样,是一种和谐.现代美术师家贝朗逊(B．Befeason)曾这样评价道：“绘画之有热情的流露,生命的自白,与神明的皈依者,自乔托始.这也是文艺复兴绘画所共有的精神.那么,乔托之被视为文艺复兴之先驱与佛罗伦萨画派之始祖,无论从精神上或形式上来讲,都是精当不过的评语了.
　　美术界但丁式的人物乔托是中世纪最后一位画家,也是新时代第一位.尽管他的绘画主题仍以宗教内容为主,尽管他的绘画还带有近似中世纪蛮族美术的稚气,但在他的绘画中却潜藏着与宗教文化相对独立的世俗精神和与蛮族美术相对独立的客观精神.实际上,这即是希腊、罗马古典艺术中人本主义精神和“模仿说”的本质再现.从乔托的《宝座上的圣母》来看,虽然它的构图布局几乎没有超越中世纪画家的惯例,但在他的画中已看不到金碧辉煌的装饰趣味和飘然若仙的人物罗列了；那坚实的体积,那纵深的空间反映了乔托的绘画与中世纪绘画的明显差异,这种差异的关键并不在于技法,而在于观念.乔托全新的艺术观不仅在他的艺术中创造了质朴、清新、庄严、厚重的审美境界,而且为后人提供了一种研究和表达自然的艺术实验方式.自乔托以后,西方艺术家才逐渐的认识到,只有可视的客观物质世界,才是获取真知,取之不尽,用之不竭的重要源泉.
　　3、这些大师的画 其实从内容上,基本都还是以宗教故事为题材的.只不过表现故事内容的形式 没有中世纪那么枯涩了.而且 画面里面的人物通常在现实中都有原形(画家的写生) 画面的场景也更生活化. 充分体现了人文主义的仁爱和对人的关怀 （文艺复兴指的是复兴古希腊时期的人文精神）
　　4、风格主义,一词源于意大问Maniera,也被译为样式主义和矫饰主义,它反对理性对绘画的知道作用,强调艺术家内心体验与个人表现,绘画精细,表面效果华丽,多戏剧性场面,用不对称和动荡,取代拉斐尔式的统一风格.
　　风格主义一词很常被用以形容在文艺复兴晚期（1550-1580）出现的一种潮流,这个潮流在当时藉由瘦长的形式、夸大的风格、不平衡的姿势来描绘人类和动物,以此产生戏剧化和强而有力的影像.甚至连米开朗基罗也曾被称为风格主义者—他晚期的作品中马匹和人类的外形的确近乎于失去平衡的样子.在当时意大利混乱的局势下,风格主义成为一种以鼓舞人心和虔诚为目标的艺术流派.
　　风格主义通常与文艺复兴全盛时期的艺术习惯相反.这并非是因为画家们对无法达成拉斐尔式的平衡性和即时性感到绝望才改变风格,而是因为这种平衡性已经不再符合当时的气氛和潮流了.风格主义在拉斐尔的两位学徒—朱利欧·罗马诺（Giulio Romano）和安德利亚·德尔·萨尔托（Andrea del Sarto）的发展下逐渐成熟,安德利亚·德尔·萨尔托的画室也培养出了标准的风格主义画家蓬托莫（Pontormo）和罗索·菲伦蒂诺（Rosso Fiorentino）.
　　在文艺复兴全盛时期,当古典主义对人体的写实描绘和透视法已经达到巅峰的程度后,一些画家开始刻意地将画面的结构扭曲,产生非理性的情感和艺术空间.格雷考也被一些人认为是风格主义的画家,不过格雷考在画中也表达出独特的个人特色,而不仅是画面的扭曲设计,在他的画中也可以感觉出“酸性”的色调,他描绘的人物显得瘦长而饱受扭曲,非理性的透视画法和让人窒息的光线、拥挤的构图,让观看者感觉朦胧而烦恼.
　　而文艺复兴特点以人文为主.人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人,他们要求文学艺术表现人的思想和感情,科学为人生谋福利,教育发展人的个性,要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来,提倡个性自由以反对人身依附.文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的.